博物館の体験とは？

(English follows after Japanese)

　

　Googleのトップページを開くと「Google アートプロジェクトで、世界の美術館の中まで探検しよう」という案内が表示されていました。そう言えば最近お馴染みのPodcast、TEDでこのプロジェクトに関わったAmit Soodのプレゼンを見て、このプロジェクトとリアルな博物館・美術館体験についていろいろ考えさせられたことを思い出しました。リアル体験至上主義気味な私としては、こういったヴァーチャルなプログラムにはいつもやや懐疑的です。どんなに解像度の高い画像を見ても、やっぱりスクリーン上の体験は、匂いも、空気感も、音も、人の気配もない、つるっとした表面的な世界にしかみえません。しかし、インド出身で小さい頃博物館に行く機会がなかなか無かった、というSood氏の個人的なエピソードが開発の原動力になっていることを知ると、心動かされる部分もありました。プレゼンの最後には彼も博物館の実体験が大切と言っており、これは実物を見てみるべきだな、と思っていました。

　早速アートプロジェクトのサイトを開いてみると、TEDでSood氏が熱く語っていたクローズアップの画像が現れました。油絵の具の立体感が綺麗に見えるゴッホの絵の細部です。探検できるのはMoMA、テートブリテン、ルーブル美術館、エルミタージュ美術館など17の美術館・博物館です。試しに何度か行ったことのあるテートブリテンの「探検」を試してみました。アイコンで視点を前後上下左右に動かすことができ、展示室を行き来できます。作品の細部を見たい時は、虫眼鏡アイコンで正に虫眼鏡レベルまで近づくことができます。違和感があったのは視点が何故か高い点です。実体験に近づけつつ、実体験では体験できないものを加えてあるところなど、ある程度予想通りの展開でした。実際に行くことができない人にとっては意義があると思いますが、博物館の体験が作品のクローズアップに集中しているところなど、「体験の立体感」に欠けるように思え歯がゆい部分もありました。

　自分の視点が製作者の意図（意識的なものにせよ、無意識なものにせよ）に引っ張られることに抗おうとしてみたり、技術の万能感のようなものに対する楽観的な態度がとても強引に思えてしまったり、この辺りの落としどころは自分の中でもいつも葛藤があります。Sood氏は、これが博物館の体験に置き換わることはなく、あくまでも補完するものだとTEDで語っていたことはとても重要なことだと思います。実際に博物館・美術館に訪れる体験にしてもネット上の体験にしても、どうバランスを取るか利用者の判断力が試されていると言えるかもしれません。

　このサイトではVisitors Guideからアートプロジェクトの制作風景の映像も見ることができます。視点の高さの謎もここで解決しました。

Art project, powered by Google

TED Amit Sood: Building a museum of museums on the web

"What is real museum experience?"

On the home page of Google, I found the instruction of "Google Art Project". It immediately reminded me of this virtual museum which was introduced on my favourite podcast, TED. The presentation was by the project leader, Amit Sood who explained how they completed this project. It made me wonder what real museums or art galleries experience is. As I am a bit fundamentalistic about real experience about museums, so I'm always skeptical about this virtual thing. Even I see the images of art works with extremely high resolution thanks to the high-tech (it seemed to be one of the height lights of this programme.), the experience on PC screen does not give us scent, sound, or atmosphere of exhibition rooms. So it seems just copying the smooth surface of the works. However, the personal story of Sood, that he grew up in India and had little chance to visit museums were a part of motivation to proceed the project gave me something positive. At the end of his presentation, he articulated the real museum experience is important even though he was there to show this new invention of museum experience. When I heard his words, I thought I should see what it is.

Opening the Art Project website, You could see closed-up picture of famous art works that Sood explained enthusiastically. It is part of Van Gogh's oil painting, which the three dimensional brush strokes are clearly visible. Where you can "explore" are world famous seventeen museums and art galleries such as MoMA, Tate Britain, Hermitage, so on. I tried to see Tate Britain where I have been to several times. By moving the icon, you can change your views forward to back, up to down, or right to left to "walk" through the exhibition rooms. When you would like to see the work, you could use magnifier icon as if you would see it with a magnifier. I felt something wrong with the height of the eye level. It seems a bit higher. This "exploring" was almost what I had expected. It tries to be close to the real experience and also add something that you could not experience in real museums. It must be meaningful for those who has little chance to visit real museums and art galleries. However, I felt it is not enough closing up to the details, and it is not the only way to deepen the experience. Exploring this website, I felt it was too pushy for users, and this exhausted me to follow the creators' intension (it is conscious, or not.) as I want to act more freely in this virtual exhibition floor. It was like they believe the technology too optimistically. I always have a conflict in my mind that how I should understand such situation. It is very important statement of Sood at the end of his presentation that this project does not replace the real museum experience, but only the complement. It could be said that we are living in the age that we need to judge to take appropriate balance between real experience and virtual experience by ourselves.

In the Art Project website, you can see the video of making process of the project on the Visitor's Guide. Here, it cleared the question of the height of eye level.

テクノロジーも使いよう？

　ここのところTEDからの話題が続いていますが、今回もまたpodcastでダウンロードしたTEDの番組から感じたことを書きたいと思います。この回のゲストは作曲家であり指揮者であるEric Whitacre。小さい頃から音楽に興味があった彼は、大学で聖歌隊と出会います。その後作曲を学びプロとして様々な合唱曲を作ってきました。そしてとあるきっかけからYouTube上で彼が作曲した合唱曲と指揮をしている映像を投稿し、世界12の国から185のソプラノ、アルト、テノールなどの各パートの映像を集めました。中には全てのパートを歌って投稿した人もいました。このあたりまできて、どこかで似たようなものを聞いた事がある、思い始めました。そうです、これまたTEDで見たZe Frankのプロジェクトです。仕事で自信をなくしてくる女性のために歌を作り、世界から歌声を集めてミックスした作品を作ったアーティストです。

　Whitacreもまた、ここではないどこかにいる人たちを繋げ、一つの合唱作品を作り上げています。そのハーモニーと映像は心揺さぶるものではありました、が、私の中ではFrankのプロジェクトで感じた「ブラボー！」な思いにまでは至りませんでした。それは何故だったのだろう、というのが私の今回の疑問です。

　両方とも現代のテクノロジーを使うことで、これまでできなかったことを実現させようとしています。私が決定的に違うと思ったのは、「これまでできなかったこと」で何を生み出しているか、という点です。かなり辛口になってしまいますが、Whitacreの作品は「これまでできなかったこと」で今までできたことをしたにすぎないように見えました。まさに新しいガジェットを手にしただけで創造性が飛躍したと思い込んでいる人たちのように。一方Frankは、見せ方など一見洗練されていないように見える部分もあるのですが、新しい道具を使いこなしているような印象がありました。見ず知らずの誰かを励ましてくれる誰かが、世界のどこかにいるのではないか、というアイデアから、それを実現するために現代の技術を駆使する、というのがFrankの創造のプロセスであり、それが私をはっとさせたポイントのような気がしました。

　私の中ではまだ、うまくこの違いを明確に説明できないでいます。もしかすると何かを見落としていたり、逆に何かに惑わされているのかもしれません。また新たな考えが浮かんだとき、ここに記そうと思います。

TED Eric Whitacre:A choir as big as the Internet

アートは世界を変える？

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　今日の話題もTEDからです。今年のTED Prizeを受賞したフランスのグラフィティアーティスト、JRが「Could art change the world アートは世界を変えられるか?」というタイトルで自らの作品を紹介しました。彼は10代の頃から、パリ中の建物の屋根に上って壁に自分の名前をスプレーで描き続けてきました。次第にsidewalk gallery（歩道ギャラリー）と名付け、街の壁に自分や友人が撮った写真を貼付けていきました。ところでこれは非合法ではなかったのでしょうか・・・？かなり大胆な貼付けっぷりに驚きました。パリの建物が大きく引き延ばされた写真に埋められている映像はかなりのインパクトです。

　次に彼は、パレスチナ人とイスラエル人、違いは何なんだ？という疑問から、対立の続く中東へ向かいます。彼は同じ職業のパレスチナ人とイスラエル人、例えばタクシー運転手、弁護士、コックなど、の巨大なポートレイトを撮り二人並べてパレスチナ、イスラエル双方の街中に展示しました。"Face to Face 顔を突き合わせて”というタイトルです。周りの人たちは彼の計画を聞いて、殺されてもいいのか！誘拐されるぞ！と心配しましたが、彼は全く動じず、逆にパレスチナ人もイスラエル人も巻き込んで、壁に大きくプリントした写真をあちこちに貼付けるプロジェクトを行いました。パレスチナ人がイスラエル人の写真を貼付ける作業を行ったり、その逆もあったそうです。そこで彼が一緒に手伝ってくれている人に「ところでどっちがどっち（パレスチナ人かイスラエルか）か分かります？」と聞くと、しーん、としてしまったそうです。ここで会場大拍手。顔だけでは対立している両者の違いは分からなかったのでした。

　さらに彼はアフリカ、インド、カンボジア、ブラジルなどで同じようなプロジェクトを行いました。彼は定期的にプロジェクトを行ったところに戻っているそうですが、一部持ち去られたりもしつつ、テーマとなった女性たちが自主的にカタログを作ったりもしており、プロジェクトが現代アートと無縁だった地にも、面白い形で浸透したり拡散している様子が分かります。

　最後に彼は言います。「I wish for you to stand up for what you care about by participating in a global art project, and together we'll turn the world... INSIDE OUT 立ち上がって、自分が興味のあることに関してグローバルなアートプロジェクトに参加して欲しい。そして一緒に世界をひっくりかえそう。」ここで会場は一同スタンディングオベーションです。

　私も思わず心の中で立ち上がりかけました、が、何か引っかかるものがあり座り直してしまいました。まず、アートは世界を変えるのか？という疑問。大勢の人たちをぐいっと引っ張る彼のプロジェクトを見て思ったのは、私が信じるアートはもっと個人的な親密さのあるものだということでした。アートのインパクトは、一人ひとりが必要な時に出会うものであると私は思っており、一生そのインパクトに出会わない人がいても不思議ではありません。そして「グローバル」という言葉の難しさ。この言葉には、偏見と言われれば認めざるを得ないのですが、それぞれ好きにやらせて欲しいのに、多勢が一緒にやろうよ！と無理やり引っ張り込むような強引さを感じてしまいます。アートとグローバルにどこか相容れない何かを感じました。

　このようなプロジェクトは私にとってかなり手強いジャンルだということが分かりました。彼の視点、機動力、周りを巻き込む力、それぞれ本当に素晴しいと感じます。しかしやはり、アートは世界を変える手法ではないと感じてしまうのです。また一つ、新たな課題に出会ってしまった気分です。

JR's TED Prize wish: Use art to turn the world inside out

From TED again. In this programme, a French graffiti artist called JR who won the TED Prize talked in the title with "Could art change the world?" to present his works and projects. He had been drawing his names and patterns with spray from the roofs of Paris from when he was in his teen. Then he made "sidewalk galley" to put the photos of him and his friends on the wall of the buildings in the city of Paris. He set many blown-up photos as large as a wall of the building. They have an enormous impact. However, I wondered it was regal or not as it looked so brave!

Then he headed to the Middle east from the question, what is the difference between Palestinians and Israelis. He took photos of Palestinians and Israelis of the same job like taxi drivers, lawyers, or cooks. He made gigantic portraits and hoisted them on the wall both Palestinians and Israelis by side. The project name was "Face to Face". People around him worried and warned him that people might kill, kidnap him, or some terrible things might happen, thought, he never be shaken. He instead had been into the people. He has gotten help from both Palestinians and Israelis he displayed the blown-up photos on the walls in towns both in Palestine and Israel. A Palestinian helped to glued the Israeli's photo, and vise versa. JR once asked them "Do you know who is who (who is a Palestine or an israeli?)?" He said there has been silencing. Here, the applause came from the audience. In the end, we can not tell who is who from the faces even they have conflicts in politics or religion or something else.

He has put the idea to Africa, India, Cambodia, Brazil. He regularly returns to the sites, and sees that they are transforming in many ways like women are independently making the free catalogue, or someone stole and taken them. I thought they were fascinating events. The projects have changed, spread and filtered in the sites in the process of creating even in the place where people were not familiar with contemporary art style.

In the last, he said, "I wish for you to stand up for what you care about by participating in a global art project, and together we'll turn the world... INSIDE OUT". There was standing ovation in the audience. I, also in my mind, tried to be standing up to make applause, but there was alerting in my head and sit back again. There is one question, could art undoubtedly change the world? His projects are so strong to attract so many people's attention and change the point of thinking of the world, but for me, I think art should be more personal and intimate. In my view, the impact of art is so personal, and there is the effective time, for each of them to experience it. So I do not think it is wrong that there would be people who never receive the influence of art. The following is "global". It is so hard word. People might say that it is prejudice, but I think this message has forced power to draw someone into the majority, even they want to do by themselves as they want. I could not believe that art is incompatible with "global" things. These projects by JR gave me some impacts to think about the meanings of art often entirely. I do appreciate his viewpoints, mobility, and ability to connect people to his world. However, I still think art is not a way to change the world. I feel like he gave me another task that takes lots of time.

Read my pins 再び

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　一昨年行ったNYのMuseum of Arts and Designで見た『Read my pins』 という展覧会についての記事を覚えておられるでしょうか？（2010/1/2 「NY探訪記　その1 Museum of Arts and Design」をご覧下さい。）その際に見たアメリカの元国務長官マデレーン・オルブライトのピンコレクションを紹介したものですが、未だアメリカ中を巡回しているそうです！

　おなじみのTEDで、TEDWomenという世界で活躍している女性をテーマにしたプログラムがあり、彼女がゲストの回を見て知ったものです。この日もステンドグラスを重ねたようなピン（ブローチ）を襟元に留めており、インタビュアーに「今日のピンにはどんな意味が？」と聞かれ「ガラスの天井を突き破る、という意味です。」と答え、会場を沸かせていました。さすが女性をテーマにしただけあって、会場は（色々な意味で）強そうな女性がほとんどでした。そう言えば、前回この展覧会について触れた時に書き忘れたのですが、『Read my pins』という展覧会タイトルは「read my lips」という表現から来ているようです。（もし間違ってたらご指摘下さい。）聞き分けのない相手に「私の唇を読みなさい＝言うことを聞きなさい」というように、国務長官時代「read my pins＝私のピンの意味を読み取りなさい」という真正面を切った態度で外交の場にいたのだろうなあ、と思ったのを覚えていましたが、TEDでこのタイトルが紹介されると会場中大爆笑していました。

　TEDでは、なぜ彼女がピンを外交の場で活用し始めたかについて語られました。湾岸戦争終結後、彼女は国連大使として任命を受けました。その後サダム・フセインが近隣国に侵入した時のこと、バグダッドの各紙が彼女のことを色々に表現し、そのなかでも「比類なき蛇」と例えたものがありました。「だから蛇のピンを手に入れて、それを着けてイラクについての話し合いの場に立ちました。その後の記者会見で何故そのピンをしているのか、と聞かれたので『サダム・フセインが私のことを比類なき蛇と言っていると聞いたので』と答えました。これはおもしろい、と思ってその後ピンを着けるようになりました。」とのこと。

　この後、彼女の経歴を辿り働く女性、特に男性社会である国際政治の世界で働くことについて語られました。「ガラスの天井」に苦しむ女性たちに取っては彼女の言葉は大変勇気づけられるものだったと思います。中でも国際政治の中で女性が何を着るかに世間が過剰に注目しているという指摘が面白かったです。彼女は「国連大使になるのだから、それなりの格好をするように。」と言われ「あら、じゃあ沢山買い物ができるわ。」と思ったそうです。この辺りのポジティブシンキンングなくしては国連大使など勤まらないのでしょう。そうは言うものの、帽子は被った方がいいのか、スカートの長さはどれぐらいがいいのか。など悩むことは多かったそうです。時代は進んでいきますが、前長官のライス氏があるイベントでブーツを履いてきた時、そのことで批判を受けたエピソードが紹介されました。男性が服装で批判されることなどないのに。（これはスーツという便利な『制服』の恩恵を受けていると思いますが。）

　自分を表現する手段であるファッションが、時にその人の社会の立ち位置を表すものにもなることは日常に溢れています。しかもその基準はよく考えると非常に曖昧です。「母親なのにあんな格好をして。」とか、「あの年でこんな色を着こなせるとはさすが。」とか。そんな中、オルブライト氏はなかなかしたたかに女性らしさを武器にしながら、国際政治の戦場に立っていたのだな、と改めて感じました。

Madeleine Albright: On being a woman and a diplomat | Video on TED.com

"read my pins" again

Do you remember the article of the exhibition of "read my pins" in NY Museum of Arts and Design in Christmas holiday in 2009? (sorry that article is in only in Japanese now! ) It was about the collection of the pin of ex-Secretary of State of the US, Madelaine Albright. This exhibition is still touring across the US!

I have known this in the programme of TEDWoman. She was a guest of this session. She was wearing a pin as always which is layered fragments of stained glasses. The interviewer asked what the meaning of that, she replied, "This is breaking the glass ceiling. The audience was so excited. TEDWoman's subjects were especially women who are active in the world, so there's no doubt, there are lots of women who look so energetic in many ways. The title, When she mentioned the exhibition title, "Read my pins", these women bursted into laughter.

In the conversation, she talked about how she started to wear pins in the occasions of diplomacy. It was after the Gulf war ended when she was appointed as an ambassador of the UN. Then Saddam Hussain invaded the neighboring countries, many papers described Albright in many ways, and one of them was "unparalleled serpent". So she got the pin of the unparalleled serpent and attended the meeting about Iraq. On the press conference after the meeting, someone asked why she wore that pin. So she answered "Because Saddam Hussein compared me to an unparalleled serpent".

After this story, she mentioned her working life in the international politics, which is still men's world. Her words must have been so inspiring for those who listening to the session who are struggling with the "glass ceilings". From her story, it sounds so compelling that what women wear becomes the excessive focus of attention. When she was appointed the UN ambassador, someone told her "Go out and look like a diplomat.", then she thought there would have been many opportunity of shopping. Ii impressed me that how positive she behaved even in that pressuring appointment. Well, if you are not confident enough like her, you never could fulfill the mission of that job. Even though she wondered how short length of the skirt should be, should she wear a hat? The time is passing, and the world seems to be more tolerant, the public eyes are not so kind to women. Albright introduced the story that when the former Secretary of State, Condoleezza Rice wore boots in an event, some criticised her. It seems rather unfair the men wont' be blamed like that. (In my opinion, it is blessing they enjoy the benefit of the uniform called a "suite".) Fashion is one of the way to express oneself. Sometimes it could express the position in the society they are belonged. However, the criteria are extremely vague. We often say "a mother should not wear like that" or "He/she is incredible to wear that bright outfit even he/she is not young.". In such society, Albright would have had a strong will power and had coped with the difficult situations in the battle fields of international politics with her pin as a weapon, which is one of the symbols of female fashion items.

Blink -「瞬き」が与えるもの

　ジャーナリストのマルコム・グラッドウェルが書いた、"Blink"（2005)という本を読みました。翻訳では『第1感「最初の2秒」が「なんとなく」正しい』というタイトルになっている通り、何かを判断する際の直感的な理解について、様々な事例を挙げて紹介している本です。原書の副題も"The Power of thinking Without Thinking"（「考えている自覚のない考えの持つ力について」かなり意訳ですが。）となっています。

　直観的な判断が正しいものを見抜くパターン、逆に偏見に左右された直感が悲劇を生み出した例、などバランスよく興味深いエピソードが並んでいるのですが、私にとって面白かったのは、第一章と最終章がアートに関する「直感」について書かれていたことです。第一章は、アメリカのJ. ポール・ゲティ博物館が、紀元前６世紀のものと思われる彫刻をオークションで購入しようとした時の判断について書かれています。当時の彫刻は大抵発掘の際のダメージが大きいものが多い中、この彫刻は完璧な形を残していました。科学的な調査でも、作成年代はやはり当時のものと判明し、購入に向けて動く中、どこかおかしい、どうも何千年前のものに見えないという声がどこからともなく上がっていたのです。それが何故なのか説明がつかなかったのですが、メトロポリタン博物館の元館長であるトーマス・ホーヴィングも一目見て「もし支払いを済ませていないのなら、今すぐ辞めるべきだ。」と述べました。

　結局何ヵ月にも渡る調査によって、この彫刻は贋作と判断されました。科学的には本物と判断されたのに、直感的に何かが間違っていると判断されそれが正しかった、というこの例を皮切りに、グラッドウェルは私たちの周りに溢れる「第一感」の驚異と危険さについて語ります。

　そして最終章は、オーケストラのオーディションについてのエピソードで締められます。ここでは、1980年のミュンヘン交響楽団のトロンボーン奏者のオーディションについて書かれています。当時、オーケストラのオーディションは指揮者や審査員の前で演奏するのが普通でしたが、この時、調度参加者に審査員の息子が居たため偏見を避けるためつい立てを立てて演奏者が見えないような状態で行われました。当時のオーケストラは男性中心社会で、バイオリンやハープなど「女性的」な楽器を除いて女性の演奏者が入ることは大変難しかったそうです。金管楽器などは最も男性的なものと考えられてきました。さて、このオーディションに一人の女性が参加していました。オーケストラのオーディションでは、最初の数小節、もっと大げさにいえば楽器を準備している段階で善し悪しが分かる、と言われているそうです。この時のオーディションでもマエストロは最適なトロンボーン奏者をほぼ直感で判断し、すぐに「彼」を呼んでくるようにと言いました。そして彼の前に表れたのは、女性の奏者でした。こんなことはあり得ない！マエストロは驚愕しました。純粋に音楽的に判断されていたと思っていたものが、視覚的な偏見に左右されていたことが明らかになったのです。この後、ヨーロッパを始め北米の有名なオーケストラでも、つい立てを使ったオーディションを行うようになり、オーケストラにはますます女性が増えることになったそうです。

　この本を読み終わった後、私も美術やダンス作品をみる時にどんな判断をしているかな、と考えてみました。一つ、私の中で、アートにおける"Blink"についてとても印象的な出来事があります。2001年の横浜トリエンナーレで教育プログラムのアシスタントとして働いていた時のことです。小学３年生のグループを連れて会場を回っていた時、がらくたがカオス状態で積み重ねられたようなヲダ・マサノリという作家の作品の前で立ち止まりました。その時、グループの一人の男の子が「これ、子どもが作ったの？」と聞いてきました。思いがけない質問に「どうしてそう思ったの？」と聞いてみると「だって、おもちゃとかいっぱいおいてあるから。」という答えが返ってきました。私には見えなかった目でこの男の子はこの作品を見ている、と感じて胸がいっぱいになったことを覚えています。

　この本の最後には、前出のホーヴィングの例が書かれています。彼は新しい作品を購入する際、その作品をコートのクローゼットなどいつもと違うところにおくように頼むそうです。自分の積み重ねた知識に左右されないように、ドアを開けて突然作品を見てどう感じるかを判断材料にするとのこと。私は勿論、作品の購入やオーディションなどといったシリアスな状況は体験したことはありませんが、知らず知らず自分の知識や体験の蓄積に頼って、直感的な見方をすることが少なくなっているかもしれません。しかしまた、そういった蓄積が的確な直感を導くこともあるのではないかとも思うのです。これらの間を行ったり来たりすることが私自身アートに対する一番相応しい態度かもしれない、と思います。

　最後はちょっと本の内容から離れてしまいましたが、グラッドウェルの著作はどれも、私たちのものの見方に一石を投じるわくわくするものばかりなので、大変お勧めです。tvoというサイトで彼自身が"Blink"について語っている映像を見ることができます。こちらも彼のチャーミングな人柄が垣間見られるのでお勧めです。

Malcolm Gladwell on his best-selling book Blink - 2005　

創造的引きこもり？

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　今日は個人的な話を少し。先日、ふとモーリス・ベジャールという振付家の作品「ボレロ」について思い出し、YouTubeで検索してみたところ、ダンサーのジョルジュ・ドンが踊る映像が見つかりました。これは、私が高校生の時に初めて見てまさに釘付けになった作品です。真っ赤な円形の舞台の上で孤高に踊るソロ、それを囲む群舞の異教的な秘密めいた動きは、物語のあるクラシックバレエの世界と違い、肉体の力強さが剥き出しになったような衝撃がありました。人の動きがこんな風に空間の空気を変えてしまうことに、10代の私はどう言い表したらいいのか分からない思いに包まれました。と同時に、今でもその衝撃が変わらなかったことにも改めて感じ入るものがありました。

　思い返してみると、この作品だけでなく、勅使川原三郎や山海塾といった現代舞踊／ダンスや、画家のエゴン・シーレ、ジョージア・オキーフ、彫刻家のイサム・ノグチ、ブランクーシなど、その頃出会った芸術表現は、今も変わらず私の価値観の土台になっていることに気が付きました。実は、当時の私は女子高校生らしい同級生との人付き合いにはそれほど積極的ではなく（勿論、毎日普通に学校には通っていましたが。）自分の心を動かす芸術の世界に引きこもっていました。それは、「世界はあんな風にも、こんな風にも見える、世界のあり方は一つではない。いったい世界はどう表現されるのだろう。」と未熟ながらも思う心躍る日々でした。

　やや大げさではありますが、結局こんな毎日だったため、まともに友人付き合いらしいものを始めたのは大学に入ってからでした。今までこのような自分は負の一面というか、暗い過去のような気がしていたのですが、私は私のやり方で芸術を通じて世界との繋がりを親密に作っていたのだ、と「ボレロ」の映像を繰り返し見ながら思えてきました。そしてあの日々が今の私を支え続けていることに気づきました。

　ここ数年、大きな視点で社会における芸術の意義とは、価値とは、と考えて道に迷うような思いになることが続いていましたが、こんな身近なところに答えの一片が落ちていたとは！個人的なエピソードながらとても嬉しい驚きです。

Creative cocooning?

It is a little bit personal story. The other day, I suddenly came across in my mind the ballet work choreographed by Maurice Bejart, "Bolero". I have searched it on YouTube and found one that Jorge Donn danced the solo part. That was what I had seen when I was a high school student. I do remember how I felt that moment, so impressed, and literally, I kept my eyes on it. The solo dancer who looks so superior to anyone else, and others around him were like mysterious pagan dancers. It was totally different from classic ballet I know that have story and they divide male character and female character clearly. The energy of body seemed to be so naked, and it gave me shock. I, who was in teenage, was not able to find words to describe what it is that human movement create such a powerful atmosphere. At the same time, I was impressed that the shock I experienced has not changed even now.

To recall my teenage days, what I have encountered then such as modern dancers like Saburo Teshigawara, or Sankaijuku, painters, for example, Egon Schiele and Georgia O'Keeffe, or sculptors like Isamu Noguchi or Constantin Brancusi are still the basis of my sense of value of art. To be honest, when I was a high school student, I'm more reluctant to go out with friends (of course I attended class everyday!) than cocooning in my own world of art that makes me excited. I often thought "the world could express in many ways by seeing the world as we like through art, how many art works are there that show me different aspect of the world?". To be more honest, I was not happy at being with classmates, and it was after entering university when I started enjoy meeting and chatting with friends. For me, I have thought it was my negative side of teenage days or could be said "dark history in my life". It was not at all. I finally realised it was not when I saw the video of Bolero again and again on YouTube. I was creating the intimate connection with the world through the arts in my own ways at that time. In these several years, both at work and personal life, I have been feeling like stuck because there did not seem to have the answer for the big question, "What is the meaning, what is the value of art in society?". Now I found a small piece of answer it is in myself. Although it is personal anecdote, it is truly happy discovery for me.

ふるまいから見る建築と都市

　少し前のことになりますが、東京アートポイント計画のレクチャーシリーズを聞きに行きましたので、ご報告します。「『壁』の無い東京へ」というタイトルで、建築家の塚本由晴氏と社会科学者の安冨歩氏がレクチャーを行ったものです。もう10年以上前に塚本氏の建築ユニット、アトリエ・ワンの作品を雑誌で見て以来、建物だけでなくそれを取り巻く街のありようを読み解く彼らの視点にとても共鳴するものを感じて追いかけ続けていたので、今回初めてライブでお話を聞くのを楽しみにしていました。

　今回は「東京」の可能性を探る、というテーマでお話しされました。まず彼が話したのは、東京について考えるためには、住宅のあり方を考える必要がある、ということです。東京を上から見ると、大通り沿いに高いビルが立ち並んでいるけれど、一歩そこから抜けると道も狭く個建てが多く、車もあまり通らず人が道の真ん中を歩いているようなムラ的な風景が見える。彼はこのように今の東京について語りました。そして、これが戦後60年経て得た東京という都市のモデルであり、都市の「知性」というものではないか、と分析します。また、日本の住宅建築の平均寿命は26年（素材の耐久強度という意味ではなく、建て替えられる周期）で、都市の中の粒＝建物が26年ごとに更新されるため、複数の世代が一度に目に入っているというのが東京の風景をバラバラに見えるものにしている、とも言っていました。何かとヨーロッパの整然とした町並みと比べて、統一感のないごちゃごちゃした都市だ、と苦々しく語られる東京をこのように読み解くポジティブな視点が、非常にクールです。

　ここから、彼の提唱する「ふるまい学（Behaviourology?)」について話が移ります。彼は、都市を理解するとき、都市に住む人間の生理、社会、コミュニティーといった人間側の「ふるまい」と、部屋に差し込む光、窓の結露といった建物の「ふるまい」を建築的観点から見ることが、Behaviourology的に都市を理解する方法、と言っています。ここでアトリエ・ワンが、こういった視点を建築に落とし込んだ「ポニーの家」の例を紹介します。限られた土地と資金の中、「庭にポニーを飼って眺められる家が欲しい」という施主の思いを実現するために、ポニー主体で人間が不自由を強いられる、という家を作った例です。ポニーを家の中から眺められるように、一階の窓は雨戸だけで日中は開け放すとという形にし、気密性のある部屋は２階のみにました。外と家の中に一体感が生まれる代わりに、夕方になると虫が入ってきます。そこで住人の生活は夕方には食事を終え、6時には就寝、そして朝は４時起きで庭の草むしりをする、というパターンに変わり、その不自由を受け入れ楽しんで暮らすようになったそうです。塚本氏は「人間だけのことを考えるから人間だけのものになっていまう、建築を人間主体に考えないとどうなるか。例えば、生産性を落とすような要素を排除してきたのが20世紀のあり方だとすると、それをもう一度自分たちの中に入れ込んでいくのが多様性の中に生きる楽しさ。」と言っていました。

　ほかにも安冨氏との対談を含めて様々な刺激的な発言があったのですが、今日はここまでにします。修論で美術館空間を人はどう体験するか、について書いた時、実は塚本氏の著作も参考にしたので、彼の言う「ふるまい」という言葉は、私にとてもしっくりくる言葉でした。建築や都市は堅牢で確固とした存在ではなく、常に揺らいだり、小さな変容を繰り返して私たちのものの見方、感じ方、生活に影響を与えていると言えるのかもしれません。そう考えると、私は人の生活がとても豊かでダイナミックなものに感じられ、解放されたような自由な思いになるのです。