年末インド、そして年明けブラジル

　森美術館の企画展『チャロー！インディア』と東京都現代美術館の企画展『ネオ・トロピカリア』とについて少し。両展覧会は「経済成長著しいBRICsの二大新興国、インドとブラジル。二つの大国の現代アートを紹介する展覧会の開催を記念して、森美術館と東京都現代美術館では相互割引を実施いたします。」とのこと（森美術館ウェブサイトより）。今日、『ネオ・トロピカリア』展を観に行って初めて知りました。非常に個人的な感想なのですが、実は年末に『チャロー！インディア』を観に行った時、面白いのかつまらないかよく分からず、それ以前に自分が好きか嫌いかも判断出来なかったことでとても記憶に残っている展覧会でした。そして今日、『ネオ・トロピカリア』を観て「あー！とても素敵な展覧会だったな！」と充実感いっぱいで帰ってきました。短期間にこんな極端な気持ちになる展覧会がこんな連携を取っていることに、不思議な縁を感じました。

　そもそも、展覧会で「好きか嫌いか分からない」と思うことはあまりない体験でしたので、年末年始にこの気持ちを消化したいと思っていましたが、未だ答えが出ないままだったのです。「結局私たち、インドの現代美術に興味がないってこと？」と一緒に観に行った友人と話したのですが、それでは何か言い足りない気がします。なんと言うか、共感ポイントの少ない展覧会だったなあ、というぼんやりもやもやした気分でした。一方『ネオ・トロピカリア』ですが、特に私はブラジルに興味はなかったものの、「この気持ち、分かるよー。」と思える作品が多かったです。例えば、野菜やパンを小さく切って重ねたり、並べたりして写真を撮ったり、アリにキラキラの紙を運ばせた映像作品を作るリヴァーニ・ノイエンシュヴァンダー、町並みの外壁をカラフルな色に塗り分けたルイ・オオタケなど。自分の趣味が合ったか、合わなかったかの差、と言われればそれまでなのかもしれませんが、なんと言っていいのか分からない展覧会と、誰かに話したくてたまらない展覧会の違いをうまく説明できれば、展覧会体験を新たな言葉で語れそうな気がしました。

森美術館『チャロー！インディア』ウェブサイト

東京都現代美術館『ネオ・トロピカリア』ウェブサイト

市民を見くびるな

　『美術館は誰のものか　美術館と市民の信託』という本を読みました。大英博物館、ロンドンのナショナル・ギャラリー、シカゴ美術館、J・ポール・ゲティ美術館、MoMA、メトロポリタン美術館といった欧米の主要美術館館長、館長経験者が行ったシンポジウムをまとめたものです。「市民の信託」というサブタイトルに惹かれて手に取ったのですが、原題では「Public Trust」と表現しています。英語「Public」と日本語の「市民」という言葉の背景にある重みというか意味合いに違いがあるのではないかと感じましたが、今回は各氏の議論に焦点を当ててみたいと思います。

　それぞれの議論はやや美術至上主義的な、美術史界のエリート大集合といった雰囲気も感じられましたが、現場を厳しく見てきた経験によるとても示唆に富んだものでした。私が普段何気なくしかし同時にもやもやとした違和感も持っていた「美術館は誰のものか」という疑問について言葉を与えてくれる本でした。

　特にNYのメトロポリタン美術館館長、フィリップ・デ・モンテベッロ氏の講演はとても私の心に響きました。彼は前半で、美術館が市民の信託を得るために真の学究の証である純粋さ、謙虚さを示す「威信」、そして政治的意図や市場原理で歪められることのない「オーセンシティ（真正さ、本物であること）」が必要であると語っています。これらのキーワードに基づき、現在の美術館が置かれている状況をこう語っています。美術館は規模が大きくなるにつれ運営が困難になり、資金を確保するというプレッシャーのために美術館の方針を本来的な使命ではなく、市場原理に委ねている。さらに来館者が美術館の新たな焦点となり、過剰なまでの催事と展覧会が行われている。ここで彼は、美術館が来館者に焦点を置くことで奇妙なパラドックスが生まれる、と指摘しています。「芸術作品ではなく来館者を中心に据えると、来館者がよりよい奉仕を受けることにはならず、（中略）美術館が来館者の興味を引きつけ、喜ばせようとすると、必然的におもねる姿勢が生まれるでしょう。つまり、来館者の数が重要なのであれば、その質が問われることはないのです。（中略）あらかじめ集客を見込める展覧会を際限なく繰り返すならば、人々の視野が十分に広がることはありません。そうなれば、人々は美術館に対して、より多くを求めようとはしなくなるでしょう。」（pp.214-217)

　これはなかなか強烈な批判です。まさに私がうっすらと嫌悪感を抱くメガ展覧会の一面を表していると思いました。来館者が沢山入ることによって成功が量られ、その内実、展示室の中は込み合うばかりで落ち着いて鑑賞することが出来ない、という展覧会を私たちは少なからず体験しています。センセーショナルで派手な展覧会に対する苛立ちや物足りなさは、来館者に対するどこか不誠実な振る舞いによるものだと私は感じていました。デ・モンテベッロ氏はメトロポリタン美術館館長という経験から、集客をねらった企画と、真剣な目的を持って行われた展覧会の違いを市民は十分承知している、と力説しています。これは市民の反応に過敏になれ、ということではなく、美術館が市民に迎合していないという意識、信頼に基づいた評価を市民から得られるかどうかが問題だと言っています。私たちは、メガ展覧会に偏重することで彼らが言うところの市民と美術館との信頼関係を、信じようとしてこなかったと言えるのではないでしょうか。

　他の６人の議論も切り口は違うものの、美術館が市民に対して果たすべき責任、つまり娯楽産業と競合して安易な楽しみを提供するのではなく、理解に時間はかかっても美術と向き合うことには価値がある、ということを伝えるべきという主張をしており、とても勇気づけられる一冊でした。さて、私にとって次の課題は日本の中での「市民＝public」とは何か、について掘り下げて考えることになりそうです。

『美術館は誰のものか　美術館と市民の信託』

編：ジェイムズ・クノー

出版社：ブリュッケ

七日間アート業界旅行

　Sarah Thorntonの『Seven Days in the Art World』という本を読み始めました。大学で美術史を勉強し、社会学の博士号を持つ作者による、現代美術業界を追ったドキュメンタリーのような趣のある本です。経歴からも分かるように、美術史だけでなく、社会学という少し離れた視点から現代美術のオークション、アーティスト、評論家、美術館について語っています。美術業界にどっぷり浸かった立場の人ではないところに魅力を感じ、手に取った次第です。

　そしてページを開いてわくわくさせられたのは、その臨場感ある語り口です。「午後4時45分、11月の午後のニューヨーク。クリスティーズのオークショニア、クリストファー・バーグは音声チェックを行っている。・・・」という、ミステリー小説のような冒頭に引き込まれていきました。何より面白く感じるのは、作者がアート業界への疑問に、全く手を抜かずにぶつかっていく姿勢です。内部にいる人たちにとっては「そこはあえて触れないで。そんなことみんな分かってるでしょう。」と言いたげなことにも、言葉を発していきます。「オークション」の章では、アート作品が市場経済に取り込まれ、まるで儀式のように売買されていることへの不思議、アートについて全く勉強したことのないアートコンサルタントの様子、そしてオークションに直接作品を出す現代作家について鋭く描写しています。

　今第２章の半ばまで読み進みました。まだまだ旅は始まったばかり。冬休みはこの本に没頭したいと思っています。

　

　

　

アートと街とキュレーター

　ブリティッシュ・カウンシルで行われた「アートと街の新しい可能性〜英国フォークストン・トリエンナーレのキュレーターを迎えて〜」というトークを聞きにいきました。ゲストであるキュレーターのアンドレア・シュリーカー氏は、これまでロンドンのギャラリーやプロジェクトに関わったあと、この美術展のキュレーターとして参加しました。

　今年初めて開催されたこのトリエンナーレは、人口が５万人に満たない英国南東部海沿いのフォークストンという街が舞台でした。まさに舞台といえるほど、街と住民とアートが絡み合った美術展であると感じました。残念ながら当日ちょっと遅刻してしまったため、美術展の概要や経緯については聞き逃してしまいましたが、参加作家とその作品からはフォークストンの社会的課題と絡めた構成が分かりました。例えば、年金生活者とその犬たちをテーマにした作品、第一次世界大戦での犠牲者（フォークストンはフランスに面した港町なので、ここから戦いに赴く兵士が多かったようです。）の数だけナンバーを打った石を、芝生に敷き詰めた作品、街の核となっていた港を展示空間に選んだ作品など。特に私が面白いと感じたのは、トレイシー・エミンというイギリスの作家です。彼女自身フォークストンの近くで生まれた作家で、今回フォークストンで問題になっている10代の妊娠をテーマに取り上げました。赤ちゃんの服や靴下、靴、ぬいぐるみなど本物そっくりの形をブロンズで作り、街の公園や駅のホームなどに配置しました。さらに、学校教育から外れてしまった子供たちのための教育プログラムも企画されたそうです。そういったこともあってか、屋外に置かれたこれらの作品が若者によって壊されたりすることは全くなかったと、シュリーカー氏は語っていました。

　参加者の質問も、実務的な課題についてのものが多く充実していました。例えば、小さな街で現代アートの展覧会を開催する、という事態に住民からの拒絶はなかったのか？50万ポンドもの資金をどうやって確保したのか？これだけの規模の美術展を開催するまでのタイムスケジュールは？などなど。最初の質問に関しては、住民の”awareness raising（意識を高めること）”が必要で、そのために教育プログラムが重要だったと彼女は答えていました。街ひとつをフィールドとして、美術展を開催するには時間と軸のぶれないテーマ設定とそしてもちろん資金がとても重要だということを再認識した機会でした。シュリーカー氏の「キュレーターにとって、街ひとつを美術展として企画できる機会はめったにないことだ」という言葉もとても印象的でした。

視点への刺激

　

　五反田の5TANDA SONICで行われている「プロトタイプ展」を観に行きました。去年に続いて２回目となる若手デザイナーによるプロトタイプ＝試作モデルの展覧会です。主催者の芦沢啓治氏（自身も照明器具を出展）は、プロトタイプとは言わず「何か面白いものない？」とデザイナーに声をかけてこの展覧会を作っていったとのこと。私の仕事はデザインとは全く違うジャンルなのですが、発想や物事の捉え方に新たな刺激を受けるこういった展覧会は機会があると観に行きます。この展覧会に出展しているのは、インハウスデザイナーもフリーのデザイナーもいて、70年代から80年代前半生まれと大体私と同じ世代です。

　今回は、純粋に私が好きだと思ったものを紹介します。まずは寺山紀彦氏の「floating flower」という花器。水盤がついており、散った花びらも楽しめるという趣旨です。お花見に行った時、池の上に散る花びらから発想を得たものだそうです。この気持ちに共感できるし、それを形にした白い陶器の慎ましさも気に入りました。

　それから、岡安泉氏の照明器具「float」。天井から吊るされた展示版の形に添って、光が落ちてくる照明器具です。床には展示版のふちと同じ形で細く光が映っています。こっそり展示版を揺らしてみたら、光もついてくる！不思議！展示盤のみに光が照射されるように、光源がレンズで制御されているそうです。とても詩的。

　もうひとつは山中裕一郎氏の「CH-BED-AIR」。これは説明するのがとても難しいオブジェクトです。一見体の形に添ったソファーにも見えるのですが、それにしては質感が固そうです。解説を見ると、スポーツの様々な姿勢を受け止める装置だそうです。実際にどう使うか描かれたスケッチを見てなるほど！と思いました。これはもう、形のシャープさと、スポーツという視点から身体を支える装置を形にしたという切り口にシビレました。

　因に5TANDA SONICはデザイン会社A.C.Oが運営しています。これからも応援していきたいギャラリーです。

5TANDA SONICウェブサイト

展覧会ウェブサイト

世界金融危機と博物館

　イギリスの博物館情報サイト、24Hour Museum でショッキングな記事を見つけました。マンチェスターの科学産業博物館が、昨今の世界金融危機で国有化されたアイスランドの銀行に投資しており、900,000ポンド（約1億5700万円）の損失を出したそうです。博物館のディレクターSteve Davis氏によると、館の主要な資金ではないで運営には影響がないとのことです。しかし実は、この資金は教育プログラムや地域の歴史遺産プログラムのための蓄えていたものだったそうです。プログラムが滞ることのないように現在支援者やパートナーを探しているとディレクターは語っています。

　この記事は、毎日マスコミを賑わしている金融危機のニュースが、にわかに身近に感じられる内容でした。各種金融機関に投資している各国の博物館や芸術文化財団が、この先同じような問題に直面する可能性がどれぐらいあるのだろう、と考えるととても不安な思いになります。そしてなによりも、博物館教育を専門に勉強してきた私にとって「運営には影響はない」けれど「教育部門の資金に損失が出た」というくだりも見過ごせない問題であると感じました。

違いを体感する

　先週末、国立新美術館で『アヴァンギャルド・チャイナ ー〈中国当代美術〉二十年ー』という企画展を見てきました。大学院時代の中国人の同級生から、上海で現代美術館ができるという話を聞いたり、中国のアート市場は今とても活気があるという話題をあちこちで耳にしていたので、期待していた展覧会です。

　政治思想や国家の情勢に左右されてきたであろう、80年代の葛藤溢れる作品群を通り過ぎ、90年代の映像作品のコーナーで、私は強烈に圧倒される思いになりました。馬六明（マ・リウミン）と張洹（ジャン・ホアン）は特に、鮮烈な印象を残しました。二人とも、自身の肉体を使って表現する作家です。裸で魚を調理したり（馬六明）、天井から宙づりになって自分の血を抜いたり（張洹）する、衝撃的な映像が続くのですが、どうしてもそこから目が離せないパワーを感じました。そして「なんだか、とてもかなわない！」という思いになりました。

　同じような気持ちを、イギリスの大学院にいた時に感じたのを思い出しました。私が通っていた大学には多く中国人学生がいました。キャンパス内では、中国人学生同志で連れ立って、抱えきれない程の食材を買ってきて、寮の小さな台所で豪快に料理をしてモリモリ食べている様子をたびたび見かけました。その時も同じように圧倒される気持ちになったのです。食べてそして生きていくという、この肉体の力強さは、日本人の私にはどうも少ないのかもしれないと思ったのでした。この辺りの感覚はなかなかうまく説明できないのですが、肉体への関心と態度が日本人とは違うんだなあ、国民性というのは本当に違うものだなあと初めて実感した瞬間でもありました。

　また、最近仕事のある場面で「相手の文化を理解することは、安全保障につながる」と言った方が居り、なるほどー思ったことがあります。この展覧会の体験は、その一例と言えるのではないかと感じました。馬六明と張洹の作品に見たように、他者との違いを肌で感じさせ、考えさせる体験は、アートが私たちに与える潜在的な力であり、奥行きの深さであると思いました。心情的な問題でぎくしゃくしがちなことが多い中国と日本ですが、アートがその隙間を縮めてくれるものになるかもしれない、という期待を感じる展覧会でした。