アートと街とキュレーター

　ブリティッシュ・カウンシルで行われた「アートと街の新しい可能性〜英国フォークストン・トリエンナーレのキュレーターを迎えて〜」というトークを聞きにいきました。ゲストであるキュレーターのアンドレア・シュリーカー氏は、これまでロンドンのギャラリーやプロジェクトに関わったあと、この美術展のキュレーターとして参加しました。

　今年初めて開催されたこのトリエンナーレは、人口が５万人に満たない英国南東部海沿いのフォークストンという街が舞台でした。まさに舞台といえるほど、街と住民とアートが絡み合った美術展であると感じました。残念ながら当日ちょっと遅刻してしまったため、美術展の概要や経緯については聞き逃してしまいましたが、参加作家とその作品からはフォークストンの社会的課題と絡めた構成が分かりました。例えば、年金生活者とその犬たちをテーマにした作品、第一次世界大戦での犠牲者（フォークストンはフランスに面した港町なので、ここから戦いに赴く兵士が多かったようです。）の数だけナンバーを打った石を、芝生に敷き詰めた作品、街の核となっていた港を展示空間に選んだ作品など。特に私が面白いと感じたのは、トレイシー・エミンというイギリスの作家です。彼女自身フォークストンの近くで生まれた作家で、今回フォークストンで問題になっている10代の妊娠をテーマに取り上げました。赤ちゃんの服や靴下、靴、ぬいぐるみなど本物そっくりの形をブロンズで作り、街の公園や駅のホームなどに配置しました。さらに、学校教育から外れてしまった子供たちのための教育プログラムも企画されたそうです。そういったこともあってか、屋外に置かれたこれらの作品が若者によって壊されたりすることは全くなかったと、シュリーカー氏は語っていました。

　参加者の質問も、実務的な課題についてのものが多く充実していました。例えば、小さな街で現代アートの展覧会を開催する、という事態に住民からの拒絶はなかったのか？50万ポンドもの資金をどうやって確保したのか？これだけの規模の美術展を開催するまでのタイムスケジュールは？などなど。最初の質問に関しては、住民の”awareness raising（意識を高めること）”が必要で、そのために教育プログラムが重要だったと彼女は答えていました。街ひとつをフィールドとして、美術展を開催するには時間と軸のぶれないテーマ設定とそしてもちろん資金がとても重要だということを再認識した機会でした。シュリーカー氏の「キュレーターにとって、街ひとつを美術展として企画できる機会はめったにないことだ」という言葉もとても印象的でした。

視点への刺激

　

　五反田の5TANDA SONICで行われている「プロトタイプ展」を観に行きました。去年に続いて２回目となる若手デザイナーによるプロトタイプ＝試作モデルの展覧会です。主催者の芦沢啓治氏（自身も照明器具を出展）は、プロトタイプとは言わず「何か面白いものない？」とデザイナーに声をかけてこの展覧会を作っていったとのこと。私の仕事はデザインとは全く違うジャンルなのですが、発想や物事の捉え方に新たな刺激を受けるこういった展覧会は機会があると観に行きます。この展覧会に出展しているのは、インハウスデザイナーもフリーのデザイナーもいて、70年代から80年代前半生まれと大体私と同じ世代です。

　今回は、純粋に私が好きだと思ったものを紹介します。まずは寺山紀彦氏の「floating flower」という花器。水盤がついており、散った花びらも楽しめるという趣旨です。お花見に行った時、池の上に散る花びらから発想を得たものだそうです。この気持ちに共感できるし、それを形にした白い陶器の慎ましさも気に入りました。

　それから、岡安泉氏の照明器具「float」。天井から吊るされた展示版の形に添って、光が落ちてくる照明器具です。床には展示版のふちと同じ形で細く光が映っています。こっそり展示版を揺らしてみたら、光もついてくる！不思議！展示盤のみに光が照射されるように、光源がレンズで制御されているそうです。とても詩的。

　もうひとつは山中裕一郎氏の「CH-BED-AIR」。これは説明するのがとても難しいオブジェクトです。一見体の形に添ったソファーにも見えるのですが、それにしては質感が固そうです。解説を見ると、スポーツの様々な姿勢を受け止める装置だそうです。実際にどう使うか描かれたスケッチを見てなるほど！と思いました。これはもう、形のシャープさと、スポーツという視点から身体を支える装置を形にしたという切り口にシビレました。

　因に5TANDA SONICはデザイン会社A.C.Oが運営しています。これからも応援していきたいギャラリーです。

5TANDA SONICウェブサイト

展覧会ウェブサイト

世界金融危機と博物館

　イギリスの博物館情報サイト、24Hour Museum でショッキングな記事を見つけました。マンチェスターの科学産業博物館が、昨今の世界金融危機で国有化されたアイスランドの銀行に投資しており、900,000ポンド（約1億5700万円）の損失を出したそうです。博物館のディレクターSteve Davis氏によると、館の主要な資金ではないで運営には影響がないとのことです。しかし実は、この資金は教育プログラムや地域の歴史遺産プログラムのための蓄えていたものだったそうです。プログラムが滞ることのないように現在支援者やパートナーを探しているとディレクターは語っています。

　この記事は、毎日マスコミを賑わしている金融危機のニュースが、にわかに身近に感じられる内容でした。各種金融機関に投資している各国の博物館や芸術文化財団が、この先同じような問題に直面する可能性がどれぐらいあるのだろう、と考えるととても不安な思いになります。そしてなによりも、博物館教育を専門に勉強してきた私にとって「運営には影響はない」けれど「教育部門の資金に損失が出た」というくだりも見過ごせない問題であると感じました。

違いを体感する

　先週末、国立新美術館で『アヴァンギャルド・チャイナ ー〈中国当代美術〉二十年ー』という企画展を見てきました。大学院時代の中国人の同級生から、上海で現代美術館ができるという話を聞いたり、中国のアート市場は今とても活気があるという話題をあちこちで耳にしていたので、期待していた展覧会です。

　政治思想や国家の情勢に左右されてきたであろう、80年代の葛藤溢れる作品群を通り過ぎ、90年代の映像作品のコーナーで、私は強烈に圧倒される思いになりました。馬六明（マ・リウミン）と張洹（ジャン・ホアン）は特に、鮮烈な印象を残しました。二人とも、自身の肉体を使って表現する作家です。裸で魚を調理したり（馬六明）、天井から宙づりになって自分の血を抜いたり（張洹）する、衝撃的な映像が続くのですが、どうしてもそこから目が離せないパワーを感じました。そして「なんだか、とてもかなわない！」という思いになりました。

　同じような気持ちを、イギリスの大学院にいた時に感じたのを思い出しました。私が通っていた大学には多く中国人学生がいました。キャンパス内では、中国人学生同志で連れ立って、抱えきれない程の食材を買ってきて、寮の小さな台所で豪快に料理をしてモリモリ食べている様子をたびたび見かけました。その時も同じように圧倒される気持ちになったのです。食べてそして生きていくという、この肉体の力強さは、日本人の私にはどうも少ないのかもしれないと思ったのでした。この辺りの感覚はなかなかうまく説明できないのですが、肉体への関心と態度が日本人とは違うんだなあ、国民性というのは本当に違うものだなあと初めて実感した瞬間でもありました。

　また、最近仕事のある場面で「相手の文化を理解することは、安全保障につながる」と言った方が居り、なるほどー思ったことがあります。この展覧会の体験は、その一例と言えるのではないかと感じました。馬六明と張洹の作品に見たように、他者との違いを肌で感じさせ、考えさせる体験は、アートが私たちに与える潜在的な力であり、奥行きの深さであると思いました。心情的な問題でぎくしゃくしがちなことが多い中国と日本ですが、アートがその隙間を縮めてくれるものになるかもしれない、という期待を感じる展覧会でした。

暗闇での対話

　先週、学士会館で行われた「ダイアログ・イン・ザ・ダーク」に行ってきました。完全な暗闇の中を、目の不自由な方のアテンドにより体験するワークショップ形式の展覧会です。私は2004年に一度参加しており、4年経って何か感じ方が変わっているかどうか確かめてみたいと思い、もう一度参加しました。

　目の前の自分の手さえも見えない完全な闇の中で、アテンドの声と白杖だけを頼りに、7～8人ぐらいのグループで草が敷き詰められた場所を歩いたり、丸太橋や吊り橋を渡ったり、バーで飲み物を飲んだりします。初めは怖くて一歩踏み出すのも躊躇するのですが、だんだん慣れてくると声が聞こえる方向や人の近さが分かってきます。前回参加した時、よく覚えているのは、グループからはぐれそうになって「あれ、どっち？」と思わず声を上げたら、「こっちですよ」とアテンドの人が「まるで見えているかのように」私の腕を取って方向を教えてくれた場面です。それはもう、衝撃的な体験としか言いようがなく、同時に、自分の知りえない感覚で世界を感じて生きている人がいるということに気がつかされた体験でもありました。

　さて、今回はどうだったかというと、意外に前回の感じを身体で覚えていてもっと大胆に動けたのが驚きでした。プログラム自体もあまり変わりなく、そうそう、こんな感じだったな、と前回の記憶をたどるような体験でした。そしてプログラムが終了すると、突然普段の明るさに戻ると目に刺激が強すぎるので薄暗い空間でしばらく参加者とアテンドの方とお話しする時間がありました。（前回は明るいところに出てから、お話しした記憶があります。）参加者たちは衝撃も覚めやらず、アテンドの方にしきりにどうして暗闇で分かるのですか？とか、すごいですね、といった感想を話すのですが、私はそこでかすかに違和感を感じました。私が二回目の参加だったから冷静に居たからかもしれませんが、視覚が不自由な人たちは、目が見える私たちとは違う感覚を使って生活している訳で、それって凄いとか信じられないとかそういうものではないと思ったのです。反対に私は、自分の視覚が機能しない暗闇の中で、アテンドの方に手を引かれた時、とても孤独な感じがしたことを思い出したのです。自分の知らない感覚世界があって、そのなかで生きる人が居る、ことがどんなことか知らなかったということが一番衝撃でした。

　それは、想像力を持って相手のことを考えましょう、とか、他者の気持ちを汲み取りましょうとか、そういう物言いがとても嘘くさく感じる程の思いだったのです。視覚が不自由な人とそうでない人との間だけではありません。病気の人と健康な人、子供と大人、異性愛者と同性愛者、男性と女性、外国人と日本人、などなど、それぞれ違っていることは知っていても、自分が生きている感覚や日常がみんな同じではない、ことまで思いを馳せ、「ダイアログ＝対話」する機会がどれほどあるだろうかと思ったのです。

　博物館とはちょっと離れた話題ではありましたが、博物館体験について考える時、この感覚がいつか役に立つような気がします。

DIALOG IN THE DARK 2008 in学士会館

ただいま製作中

　週末友人と、森美術館の『アネット・メサジェ』展を見に行きました。1970年代から活躍しているフランス人アーティストの展覧会です。バラバラにしたぬいぐるみで構成された作品、彩色した写真、コラージュなど、様々な手法の作品で構成されていました。

　網を展示室に配置した作品や、天井から床まで壁面にクレヨンのようなもので文字が書いてある作品を見て私たちは、「これって、本人が来て展示するのかな。巡回する時どうするんだろうね。」など、作品がどう展示されたかの方が気になりつつ展示室を回りました。すると展示室の最後、丁度ワークショップを行っているスペースの壁面に、展示風景の映像が流れていました。そこにはメサジェご本人や学芸員だけでなく、展示業者を始め展示作業を手伝う人々の姿が映っていました。先ほど気になった壁面の作品は、メサジェの手ほどき（？）を受けた多くのスタッフたちが脚立に乗ったり、床に腹這いになったりしながら文字を書いている様子が紹介されていました。私たちは「こんな風に作っていたのか！」とか「やっぱりこの部分は本人が決めるのね」とまるで謎解きをするかのように作品の展示風景に見入ってしまいました。

　ふと、こういう映像が展覧会でもっと見られたらいいのに、と私は思いました。来館者は、普段完成された展覧会しか目にすることが出来ません。でもそこにたどり着くまでには、展示の構成を決め、展示室をデザインし、作品を運び込み、開封し、しかるべき場所に展示するという長い行程があります。いつもはしんと静かな展示室に、実は生々しく活気に満ちた「ドラマ」があるなんて、とても興味深いじゃありませんか！

森美術館『アネット・メサジェ：聖と俗の使者たち』

手仕事の記録

　サントリー美術館『小袖　江戸のオートクチュール』展のオープニングに行ってきました。サントリー美術館がまだ赤坂にある頃から、筒書きや紅型など、布にまつわる企画展はとても印象に残っているので、楽しみにしていました。今回の展覧会も、一面の鹿子絞りや大胆な色遣い、繊細な刺繍など、目を楽しませてくれる小袖が次々と展開していて、「私だったら、これを着たいなあ」などと思いながら見ていきました。

　その中で、私の目をぐっと引きつけるものがありました。一点だけ覗きケースに入れられた着物です。「蝶模様胴服」という、衣服や甲冑の上に着る上着だそうです。裾が右から斜めに切られてしまっており、他の小袖のように衣紋に掛けた形で展示できなかったのはそのせいでしょうか。でも、そのお陰で布の風合いまで間近に感じられました。

　さて、私が引きつけられたのは、模様でも色合いでもなく、割けた絹地を繕った縫い目でした。横糸が弱かったのか、袖の下のほうにうっすらと横に割けたような部分がいくつか見られましたが、それを塞ぐように、ジグザグの縫い目があちこちに見えます。これまで展示作品としてしか見えていたかったものが、突然人の手の動きが感じられるものに見えてきました。私も何かを縫うのが好きなので、時々何の目的もなく運針をしてみたり、破けてしまった服を細かい縫い目で直したりすることもあります。だからこそ手縫いの縫い目から、それを施した人の存在感が気になったのだと思います。しかし同時に、今まで自分は展覧会の資料や作品に、それほど近しい思いを持つこともなく接してきたのかも、ということに気づかされました。「展示作品」として見ていたものの背後に、何人もの人がそこに関わってきたことや、歴史の流れを感じ、視点が急に奥行きを持ったような、ちょっとした衝撃体験だったのでした。

サントリー美術館ウェブサイト